Gabriela Ponce dirige la Fundación Teatro Nacional Sucre y la Fiesta Escénica, el festival internacional que este año celebra su décima edición en Quito. En esta conversación habla del teatro ecuatoriano que heredamos y habitamos, del público en permanente construcción y de los desafíos que enfrenta el sector de las artes escénicas.
La Fiesta Escénica cumple 10 años. ¿Qué ha cambiado en el teatro ecuatoriano en esta década?
Siempre que me preguntan sobre el teatro ecuatoriano me meto en problemas, porque ya no puedo ver esa categoría de manera homogénea. Lo que he aprendido, sobre todo como directora del Sucre, es que hay muchas teatralidades, y que son profundamente heterogéneas. Dicho eso, hay algo que rescataría como especialmente significativo: la creación de la Universidad de las Artes. Cuando yo me formé, a finales de los 90, hacer teatro significaba trabajar con un grupo como el Malayerba o con Contraelviento, entre otros, porque ahí era donde uno aprendía.
¿Y la Universidad Central?
La Central existía, pero respondía a un paradigma muy clásico que no era el que muchos buscábamos. Hoy ha cambiado y se puede estudiar teatro con rigor académico, con énfasis en investigación, en dramaturgia, en dirección. Eso se nota en las residencias que hacemos en el Teatro Sucre, pues vemos jóvenes con preguntas muy distintas y enfoques propios. Hay un relevo generacional real. A eso se suma el acceso a la información. Antes era casi imposible conseguir textos. Ahora uno puede leer, ver teatro, intercambiar ideas a través de plataformas. Todo eso ha ampliado el imaginario de quienes hacemos teatro.
¿Pero no todo es positivo?
No. Si miro los montajes, hay señales preocupantes. Hoy predominan las obras pequeñas, monólogos, no siempre por elección artística, sino porque circular con elencos grandes es casi imposible. Las temporadas ya no funcionan como antes, los teatros no pueden sostenerlas, y tres días de función son la norma. Las condiciones materiales del trabajo escénico son precarias. Por eso es cada vez más raro encontrar obras de gran formato. No es falta de talento ni de voluntad: es falta de condiciones.
En la programación de esta edición se percibe un trabajo sostenido sobre el cuerpo, la memoria, la violencia. ¿Por qué esas son las preguntas del teatro contemporáneo?
Porque el arte está profundamente conectado con su tiempo. Vivimos un momento en que la violencia es una realidad. ¿De qué más vamos a hablar los artistas en una situación así? El teatro permite mostrar cómo esa violencia se articula, cuántas capas tiene, de cuántas formas opera. Esa es la maravilla del arte: revelar. Lo mismo ocurre con la memoria, que te permite entender el presente. Por eso no sorprende ver una Antígona que lee el mito griego desde Gaza, o una revisión del Rey Lear de Shakespeare. En la programación internacional tenemos Gaviota y Casting Lear, que demuestran justamente eso. Los clásicos siguen hablándole al presente con mucha fuerza.
Cuando la gente le pide a Gabriela Ponce una recomendación de esta edición, ¿qué le dice?
Todo. Casi nunca tenemos acceso a teatro internacional, o vemos muy poco, porque traer una obra escénica implica condiciones económicas muy difíciles. La curamos con mucho cuidado para que haya varios lenguajes, varios públicos, varios temas. Tienes teatro documental, teatro convencional, reescrituras de clásicos, teatro infantil. Si quieres tener una panorámica real de las artes escénicas contemporáneas, vale la pena verlo todo, para eso están los festivales.
Programación internacional
5 junio: Gaviota, de Guillermo Cacace (ARG.). Teatro Nacional Sucre, 19h00, $20 *aforo limitado
6 junio: Gaviota, de Guillermo Cacace (ARG.). Teatro Nacional Sucre, 19h00, $20 *aforo limitado.
7 junio: Centroamérica, de Lagartijas Tiradas al Sol (MEX.). Teatro Variedades, 18h00, USD 20.
8 junio: Alen, del Colectivo Globo (ESP.) Teatro Capitol, 19h00, acceso con descarga de pases.
9 junio: Estampida humana, de Compañía Bonobo Teatro (CHI.). Teatro Nacional Sucre, 19h00, USD 20.
10 junio: El rincón de los muertos, de Sebastián Rubio (PER.). Teatro Variedades, 19h00, USD 20.
11 junio: Casting Lear, Andrea Jiménez (ESP). Teatro Nacional Sucre, 19h00, USD 20.
12 junio: Casting Lear, Andrea Jiménez (ESP). Teatro Nacional Sucre, 19h00, USD 20.
13 junio: Palabras ajenas, performance sonoro de Martín Bauer (ARG.). Centro de Arte Contemporáneo, de 13h00 a 21h30, acceso libre.
15 junio: Baco Polaco, de Mauricio Kartun (ARG.). Teatro Nacional Sucre, 19h00, USD 20.
¿Qué significa el contacto con obras internacionales para los creadores locales?
Yo me he formado fundamentalmente en festivales. Ciertas obras que vi en festivales internacionales cambiaron completamente las preguntas que me estaba haciendo y transformaron mi noción de lo que es el teatro. Ver obras te forma como ninguna otra experiencia, y hay una razón concreta: a diferencia de un libro, que circula y puedes retomar cuando quieras, una obra ocurre en ese momento y ya. Si no la viste, no la viste. Un ejemplo de lo que puede generar ese encuentro es Palabras ajenas: una obra de ocho horas que, más allá de su resultado escénico, transforma la comprensión de dónde están los límites del teatro.
En 2023 tuvieron algo más de mil asistentes. En la última edición llegaron a diez mil. ¿Cómo lees ese crecimiento?
Con mucha alegría, pero también con honestidad. Lo más bonito no son los números en sí, sino ver caras nuevas. En las primeras ediciones reconocías a todo el mundo, era la gente de teatro de siempre. Ahora hay personas que no conoces, que llegaron por una obra, que algo les llamó la atención y descubren que el teatro les interesa. Y cuando digo diez mil, no hablo solo de personas que vinieron a ver una obra. Tenemos casi cuarenta actividades de formación y encuentros académicos. Es un público que viene a vivir muchas experiencias, no únicamente a sentarse en una sala.
Aun así, se dice que el teatro sigue en pandemia, se ven butacas vacías. ¿Qué falta?
Creo que hay que empezar por los niños. Ofrecer teatro para las infancias no es solo un gesto cultural, sino una apuesta a largo plazo para tener futuros espectadores. Construir público es una tarea que toma tiempo y que exige más generosidad de la que a veces tenemos los artistas. Ahora que estoy del lado de la gestión, me hago una pregunta: ¿todas las obras se cuestionan realmente por su público? ¿En qué país estamos, a quién le estamos hablando, quién va a venir? A veces el artista está demasiado ensimismado. Ahora, construir público no es solo responsabilidad de los teatros o los festivales: también es una pregunta que los creadores tienen que hacerse desde el inicio del proceso. Y también está la acción de las políticas públicas.
Hablando de políticas públicas, ¿habrá una edición 11?
Tuve miedo de que esta fuera la edición de los diez años y que fuera un adiós. Hay una incógnita que todavía no se resuelve. No sabemos qué va a pasar con la Fundación (Teatro Sucre), ni con las competencias culturales del Municipio (Quito) el próximo año. Si la disposición del Cootad que afecta a las fundaciones no se declara inconstitucional, simplemente ya no podríamos seguir operando. Hay un equipo legal trabajando en ello y el Municipio evalúa alternativas, pero es un asunto muy técnico y con una carga política importante. Por ahora, la incertidumbre es real.
¿Con qué clausuran la Fiesta Escénica?
Con Baco Polaco, de Mauricio Kartun. Tuvimos que cambiar la fecha porque el 14 jugaba Ecuador y no íbamos a pelear con eso, pero la apuesta se mantiene intacta. Kartun es un referente de las artes escénicas. No dudo al decir que es el dramaturgo vivo más importante de América Latina. Tiene una solvencia conceptual enorme y se lanza aquí a montar Eurípides desde un lugar muy situado, muy argentino. Detrás de esa elección hay también una declaración de principios: que nuestros referentes sean latinoamericanos. Que la Fiesta Escénica tenga ese carácter de calidad, pero desde nuestra región.
