Después de 61 ediciones, el Ecuador tiene su primer pabellón institucional en Venecia, en la bienal de arte más importante del mundo. En esta megaexposición que estará abierta hasta noviembre de 2026, se exhiben, entre cientos de obras, las de Óscar Santillán y las del colectivo Tawna.
Óscar Santillán camina a paso lento por un bosque de la Costa ecuatoriana. Es 2016. Mientras intenta acallar el torrente de pensamientos que llegan a su cabeza, se encuentra con una camisa anaranjada de manga corta y estampado tropical; una prenda sin botones abandonada en medio del bosque. La recoge, vuelve a casa y la guarda en su taller. Ese mismo año un astrofísico neerlandés amigo suyo le regala unos meteoritos. El obsequio detona una idea: buscar a alguien que funda los fragmentos celestes para transformarlos en botones. Al coserlos a la prenda, une dos mundos: un objeto perdido en la Tierra con otro extraviado en la inmensidad del cosmos.
Esa camisa con estampados tropicales y esos botones siderales dieron vida a “Voyager” (2016), una de las cuatro piezas con las que el artista guayaquileño (1980) llegó al Pabellón del Ecuador en la Bienal de Venecia 2026. La muestra se completa con sus obras “Crisálida” (2025), “Placenta” (2026) y “Medulla” (2026), que dialogan con la proyección de Kawashima y Llaki (2026), dos piezas audiovisuales del colectivo Tawna. Bajo la curaduría de Manuela Moscoso, Santillán y Tawna configuran una participación histórica: el debut del Ecuador con su primer pabellón institucional en la Bienal de Venecia, el encuentro de arte más antiguo e influyente del planeta. Moscoso fue curadora en jefe de la Segunda Bienal del Amazonas (2025), de la Bienal de Liverpool (2021) y actualmente es directora ejecutiva y artística del Center for Art, Research and Alliances (CARA).
El “antimundo” de Óscar Santillán
Al abrir la página web de Antimundo, el estudio de arte que Óscar Santillán lidera desde hace algunos años, aparece una frase con letras blancas que sirve como carta de presentación para entender su trabajo: “Fusión entre ciencia y arte para reimaginar la vida en la Tierra”.
Moscoso añade que, en su práctica artística, Santillán se ha dedicado a abrir una conversación precisa entre ciencia, tecnología, materia e imaginación. “En sus obras, lo científico, lo cósmico, lo terrestre y lo íntimo se encuentran de maneras inesperadas”. Para este artista guayaquileño, la imaginación, además, es otra forma de relacionarse con las tensiones sociales y políticas con las que convivimos en el siglo XXI.
En este ejercicio de especulación artística, Santillán y su equipo llevaron a Venecia obras como “Placenta” (2026), una pieza hecha con placas madre, el circuito principal de una computadora. Todos sus componentes, incluidos microchips y baterías, fueron cortados y lijados hasta que las placas dejaron de parecer instrumentos de computación y se transformaron en patrones de aspecto mineral. Otra obra es “Crisálida” (2025), una pintura en la que aparece una especie de serpiente pintada de forma hiperrealista que va mutando sobre todo el lienzo, en diferentes estados de la materia, hasta cobrar la apariencia de un ente hecho de cristales, piel humana, madera y metal.
En el pabellón del Ecuador en Venecia también se exhibe la obra “Medulla” (2026). Se trata de una instalación escultórica hecha con madera, bronce, aluminio, resina epóxica, pintura automotriz, lo que Santillán llama ADN alienígena (material genético humano macerado con meteoritos) y una estructura de aluminio que corresponde a iconografías de cometas documentadas en China hace unos tres mil años. La obra es una muestra de que en Santillán persiste la idea de provocar el encuentro entre tecnologías ancestrales y de la modernidad.
Tawna y su mirada del mundo amazónico
El colectivo Tawna fue fundado en 2017 por artistas saparas, kichwas y mestizos, articulando su práctica entre el cine, el videoarte y la fotografía. Para Sani Montahuano, una de sus integrantes, el propósito del proyecto trasciende el mero retrato de las comunidades amazónicas; busca mostrar los matices de su realidad y que los propios habitantes sean partícipes del resultado visual final.
“Desde hace décadas, personas de todas partes se dedicaron a mirarnos, a fotografiarnos y a grabarnos, y nosotros nunca sabíamos qué pasaba con esas imágenes. Tawna intenta romper con esa lógica presente desde la Colonia; por eso, nos interesa llevar nuestro cine a toda la Amazonía”.
Montahuano es la protagonista de Kawashima, una de las dos piezas audiovisuales que el colectivo Tawna llevó a Venecia. El video, de doce minutos de duración, se proyecta sobre tela de llanchama —un tejido vegetal ancestral extraído de la corteza de árboles amazónicos como el higuerón—. La obra explora la profunda relevancia del mundo de los sueños para las comunidades amazónicas, mostrando cómo este espacio se transforma en un terreno fértil para atravesar el duelo y transmitir conocimientos. Por su parte, la otra pieza titulada Llaki aborda de forma poética la sexualidad indígena amazónica.
Para Moscoso la presencia de Tawna en el pabellón del Ecuador es fundamental. Sostiene que, históricamente, la Amazonía ha sido mirada desde afuera apenas como paisaje, recurso, reserva natural, amenaza, fantasía, zona de extracción o como imagen exótica, y que Tawna trabaja desde una relación distinta con su entorno. “Ecuador también ha exotizado la Amazonía. Desde los centros urbanos del país muchas veces se la ha mirado como algo lejano, natural, simbólico o disponible, pero no siempre como un lugar de pensamiento contemporáneo, de producción artística, de tecnología, de deseo, de memoria y de futuro, ideas que aparecen en el trabajo de Tawna”.
Venecia y sus pabellones nacionales
El siglo XIX fue la época dorada de las exposiciones universales: exhibiciones celebradas en distintas ciudades del mundo —desde París hasta San Francisco—, centradas en promover el comercio y en presentar los avances tecnológicos de la época. En estos espacios, el arte ocupaba un papel secundario.
El giro ocurrió en 1895 con la primera Exposición Internacional de Arte de la Ciudad de Venecia. Inaugurada en el Palazzo delle Esposizione —diseñado por el arquitecto Enrico Trevisanato—, la muestra contó con la presencia de los reyes de Italia, Humberto I y Margarita de Saboya, y atrajo a más de 224 000 visitantes en su primera edición.
Desde entonces hasta 1905, los artistas extranjeros eran invitados de forma individual. Sin embargo, el modelo cambió en 1907 cuando Bélgica inauguró el primer pabellón permanente en la zona de los Giardini di Castello, impulsando a otros países a construir sus propios edificios. Hungría, Alemania y Gran Bretaña se sumaron en 1909; Francia lo hizo en 1912 y Rusia en 1914.
Actualmente, el complejo alberga treinta pabellones nacionales que componen un pequeño mapa geopolítico del arte. En la década de los noventa este mapa comenzó a extenderse hacia el Arsenale, un espacio donde países como China, Georgia y México instalan sus exposiciones temporales sin necesidad de poseer un edificio propio.
La Bienal de 2026 cuenta con veintinueve participaciones nacionales en los Giardini di Castello, veinticinco en el Arsenale y 46 en la ciudad de Venecia. El pabellón del Ecuador está en la Galería Castello, ubicada en un barrio cercano al eje histórico de esta exposición.
Manuela Moscoso tiene claro que los pabellones nacionales son espacios que pueden parecer anacrónicos: países organizados en pabellones, como si una nación pudiera resumirse en una exposición, una voz o una imagen. Sin embargo, también los ve como lugares donde, desde el arte, todavía se puede reflexionar, imaginar y poner en tensión la existencia humana.
